Les créations de Philippe Boissonnet recoupent plusieurs formes expressives : dessin, photographie numérique et lenticulaire, électrographie (Copy-Art), et souvent holographie, installations lumineuses, parfois interactives. D’un média à un autre, Philippe Boissonnet a toujours démontré son intérêt pour les états limites du visible, ceux qui se manifestent entre apparition et disparition. Ses œuvres s’appuient sur le concept d’évanescence perceptuelle de l’image, et, par extension, sur le concept d’inconsistance du réel pris dans notre contexte contemporain des technologies de l’image. Grâce à des stratégies artistiques basées sur diverses manipulations de la lumière, Boissonnet vise à faire ressentir des notions d’incertitude, de transitoire et d’instabilité. Dès le début des années 90, cette sensibilité exacerbée à ce qui est impermanent le pousse à souligner les limites de nos représentations conventionnelles du monde. Il utilise souvent, à cet égard, l’image géospatiale ou géopolitique d’un globe terrestre gonflable. Ses œuvres, au fil des années, nous rappellent inlassablement la « fragilité de notre condition planétaire » (H. Fischer). Il nous parle autant des limites de nos représentations collectives du monde que de notre système de perception du réel. Récemment, il s’intéressait aux interférences entre l’évanescence des phénomènes lumineux et le paysage.

« Philippe Boissonnet nous démontre le relativisme même de l’holographie, qui est celui de notre rapport au monde. Sa déconstruction, qui a commencé avec le cubisme et s’est imposée avec la science physique, ne cesse de nous hanter. C’est là que se situe la recherche de Philippe Boissonnet. Et le jusqu’au-boutisme de sa démarche confère à son œuvre une actualité et un radicalisme incontournable ». (Hervé Fischer, 2017)

La démarche artistique de Jean-Luc Wolff s’enracine dans une réflexion profonde sur les liens complexes qui unissent les individus et leur environnement, notamment face aux enjeux sociaux, écologiques  voire économiques ou politiques de notre époque. Qu’est-ce qui fait société? Est-ce qu’une société cohérente et apaisée peut s’épanouir dans un monde dont l’équilibre est menacé de toutes parts?  

À travers sa pratique, il cherche à interroger les relations humaines, la convivialité, ce qui rapproche ou sépare les individus. Son regard interroge leurs valeurs, leurs préoccupations, ainsi que leur résilience face à un monde en constante mutation, où la fragilité et la force cohabitent dans tous les domaines.  

Son approche artistique s’inscrit dans la lignée de la photographie contemporaine en abordant chaque série comme une réflexion visuelle sur un thème ou une théorie précise, tout en privilégiant une esthétique plastique et poétique. Par la sérialité de ses photos, une utilisation réfléchie de la couleur et de la composition, il invite le regardeur à se questionner sur notre manière de vivre ensemble, de créer du lien ou de nous distancer, de nous comprendre ou de nous perdre dans un environnement toujours changeant.

Christiane Lahaie a d’abord été écrivaine. Dans ses textes, elle a privilégié les atmosphères éthérées, les personnages au parcours incertain, les lieux chargés de symboles et les fins ouvertes. Elle a beaucoup exploité les formes brèves (récit sous forme de « chants », nouvelles, poèmes) car, selon elle, ces dernières captent le rythme rapide de notre époque. Par ailleurs, elle s’intéresse à ce qui unit les représentations littéraire et filmique, ainsi qu’à ce qui les distingue.

Son travail d’artiste visuelle descend en droite ligne de cet héritage intermédial, dans la mesure où elle mise sur le pouvoir évocateur des mots et des images. Elle ne vise pas à illustrer l’écrit par la représentation visuelle. Elle cherche plutôt à créer un échange, voire un choc entre les deux, dans un aller-retour constant. 

Ses projets exigent une approche mixte, où elle met à profit plusieurs pratiques (photographie, reliure, gravure, peinture, collage, dessin, écriture) ou médiums (acrylique, encre de Chine, papier japonais). Certes, elle a un parti pris pour les contrastes marqués.  Au cinéma ou en photo, par exemple, elle croit que la prise de vue en noir et en blanc tend à évoquer la nostalgie et les tiraillements de la conscience, tout comme elle trahit les lacunes de la mémoire en mimant l’effacement graduel des choses, lequel vient avec le passage du temps. Mais sa préférence pour la photographie en noir et blanc provient surtout du fait qu’elle lui semble plus à même de transcender le réel, à en montrer la signification profonde. Bref, elle est fascinée par le côté obscur de l’existence, tout autant que par la part de lumière, si ténue soit-elle, qu’elle recèle en toute circonstance.

À travers la superposition de la photo et du texte calligraphié, elle souhaite maintenant œuvrer dans la durée et ralentir la fuite du temps, quitte à égrener les secondes et les minutes. De fait, dans le geste d’écrire (surtout à la plume), il y a nécessairement des pauses, le temps que l’idée passe du cerveau à la main, et c’est ce temps presque suspendu qu’elle a envie d’explorer. En parallèle, la littérature reste prégnante dans son travail, car elle lui permet de raconter des histoires, de rêver, de réfléchir ou de se remémorer des moments à jamais en allés. Qu’il s’agisse d’un texte ou d’une image, toute œuvre de création devrait inciter le spectateur à s’attarder, à scruter les détails, à chercher le sens caché, quitte à s’anéantir dans le doute ou la nostalgie de ce qui ne reviendra pas.

La pratique artistique de Roxane Bertrand / fhgoyd s’inscrit dans une réflexion sur les traces, les transformations et les récits qui émergent de notre relation au monde. Elle s’intéresse aux formes visibles et invisibles de la mémoire, à ce qui persiste malgré les changements et aux fragments qui permettent de reconstruire des histoires individuelles et collectives.

Son processus de création repose sur l’observation, la collecte et la transformation d’éléments fragmentaires. Les objets abandonnés, accumulés ou détachés de leur fonction première retiennent particulièrement son attention. Elle cherche à révéler la charge narrative contenue dans les choses du quotidien, en portant attention aux détails souvent négligés, aux signes d’usure, aux empreintes laissées par les usages et aux marques du passage du temps. La décomposition, l’altération et la désagrégation occupent une place importante dans ses recherches. Ces fragments deviennent des points de départ pour créer de nouvelles relations entre le réel, le souvenir et la fiction.

La mémoire constitue un axe central de la pratique de fhgoyd. Elle l’aborde comme une matière mouvante, influencée par les expériences humaines, les transformations sociales et les outils que nous développons pour conserver des traces. Ses œuvres explorent ainsi les tensions entre présence et absence, entre ce qui demeure et ce qui disparaît.

L’installation lui permet de créer des espaces sensibles où différents éléments peuvent dialoguer et où l’expérience du public devient partie prenante de l’œuvre. Par la rencontre de l’image, du son et de la technologie, elle cherche à créer des environnements immersifs qui sollicitent la perception et ouvrent un espace de contemplation. Plutôt que d’imposer un récit unique, elle propose des compositions fragmentées laissant place à l’interprétation et à la construction de significations personnelles.

La démarche de Roxane Bertrand s’intéresse également aux outils numériques contemporains et aux transformations qu’ils apportent aux pratiques de création. Elle explore leur potentiel tout en portant une attention critique aux questions qu’ils soulèvent, notamment face à la circulation des images, aux processus automatisés de création et aux nouvelles façons dont la mémoire se construit, se conserve et se transforme à travers les technologies.

À travers son travail, elle cherche à créer des œuvres où se rencontrent matière et immatériel, expérience individuelle et mémoire collective. Ses recherches portent sur les cycles de création, de transformation et de disparition qui traversent notre environnement, afin de révéler les relations complexes entre les traces que nous laissons, celles que nous conservons et celles qui sont destinées à s’effacer.

Pour sa saison estivale 2026, la Maison des arts et de la culture de Brompton (MACB) vous propose différentes expositions, tant intérieures qu’extérieures, autour de la thématique Mosaïques humaines.

La mosaïque est un art ancestral qui traverse les époques et les civilisations, de l’Antiquité aux pratiques contemporaines, sans jamais cesser de se réinventer. Traditionnellement composée d’une multitude de fragments — tesselles de pierre, de verre ou de céramique — assemblés par un liant, elle repose sur une tension constante entre la singularité de chaque élément et la cohérence de l’ensemble. Cette logique d’assemblage s’étend bien au-delà du médium lui-même, inspirant des artistes, des architectes et des artisan·e·s qui explorent ainsi la répétition de motifs, la juxtaposition d’éléments disparates ou encore l’accumulation organisée selon un rythme précis.

Ainsi, on peut extrapoler le concept de mosaïque à la courtepointe, au all-over, au collage, aux constellations d’images; on peut même la comparer à des phénomènes qui sortent du champ des art visuels tels que que les dynamiques sociales, où des éléments hétérogènes coexistent sans se fondre en un tout homogène. La mosaïque devient alors un mode d’organisation fondé sur la pluralité : juxtaposition de cultures, de corps et de récits, dont la cohérence ne réside pas dans l’uniformité, mais dans la relation. À l’image de l’évolution parallèle des mouvements sociaux, chaque fragment conserve sa singularité tout en participant à une structure plus large, en constante reconfiguration. La mosaïque se fait alors métaphore du vivre-ensemble.

À travers sa pratique artistique, Isabelle Tessier s’intéresse à la manière dont nos désirs investissent nos corps, nos objets et nos espaces habitables. Ils l’investissent si puissamment qu’ils en viennent par moment à nous détourner du réel. Récemment inspirée par la lecture de l’essai À l’assaut du réel de Gérald Bronner, elle s’intéresse à cette force qui nous porte à vouloir plier le monde à notre mesure, à le rendre plus malléable, plus séduisant, mais surtout plus conforme à nos immodérables envies. Que reste-t-il du réel lorsqu’une culture visuelle, un ordre social et une économie de la consommation s’acharnent à le rendre moins habitable que désirable?

Comme artiste visuelle, c’est par une approche installative, hybridant la photographie, l’estampe, le textile, la sculpture et la performance qu’Isabelle s’applique à faire glisser des fragments corporels dans le champ de l’objet usuel et du mobilier. Grâce au photomontage, elle crée des motifs farfelus mettant en relation les babioles les plus banales avec la figure humaine.  Ces trames reproductibles sont sérigraphiées sur des objets à caractère anthropomorphique, proposant une mise en abîme infinie entre le corps et l’objet usuel. Le corps humain y apparaît alors comme un contaminant qui s’imprime et se moule à la surface des choses.

Son langage visuel emprunte aux codes esthétiques de la sphère domestique dans le but d’interroger le lien affectif que nous entretenons avec les objets industriels qui saturent le quotidien. L’artiste y examine la manière dont le désir, au-delà du seul registre sexuel, s’inscrit dans des logiques d’appropriation, de possession, de confort et de consommation. Les œuvres prennent ainsi des formes joviales, ludiques, séduisantes, dans une proximité délibérée avec les stratégies visuelles marchandes par lesquelles les objets sollicitent l’attention et produisent l’envie. Cette esthétique de surface agit ainsi comme un leurre : par leur séduction visuelle, ses œuvres révèlent une pulsion viscérale où le plaisir de désirer se confond souvent avec le désir de posséder.

Elle explore ainsi ce qu’il y a de fondamentalement érotique dans toute forme de désir, qu’il se fixe sur un corps, une image, un objet ou toute autre promesse de plaisir. En ce sens, le désir n’apparaît pas dans son travail comme une force strictement intime ou personnelle, mais comme une dynamique socialement organisée, alimentée par des régimes d’images, des dispositifs marchands et des normes qui façonnent nos manières d’habiter le monde. Le travail d’Isabelle Tessier jette ainsi un regard cynique sur cette propension à consommer avec excès le corps, comme l’objet.

Animée par le geste et son potentiel d’expression vulnérable, l’artiste et artisane Marielle Saucier rend visibles des expériences psychiques intimes à travers la matière et sa dimension sensible.  En adoptant une posture autobiographique, elle observe et interprète sa réalité mentale, tant pour en dépeindre des concepts, que pour en emprunter des éléments visuels : l’anatomie cérébrale.  Le plus souvent, son travail prend la forme de tableaux textiles, parfois, de sculptures ou d’installations.

La pratique de Marielle s’inscrit dans une réflexion sur la lenteur et la temporalité, qu’elle aborde par la répétition du geste et le temps long inhérent aux pratiques artisanales.  L’artisane découvre et déploie soigneusement les chorégraphies manuelles propres aux différents savoir-faire textiles.  Elle tisse et elle brode, un fil à la fois, et ornemente, une perle à la fois.  Répétant chaque geste, comme une douce obsession.  Les mouvements de ses mains, lents et répétitifs, deviennent alors des actes de résistance face à une société en constante accélération.  

Cette dualité qui habite l’artiste, entre structure et spontanéité, agit comme un principe formel au sein de sa pratique et oriente ses choix techniques et matériels.  Cette tension se manifeste dans un travail technique soigné — carré —, et dans l’utilisation du mouvement intuitif pour penser la forme — courbe.  Elle se traduit dans l’architecture  méthodique du tissage et la flexibilité des techniques manuelles.  Et d’autres fois, elle se révèle dans la dureté des fils de métal et la souplesse des fibres naturelles.  Dès lors, des éléments abstraits et organiques, souvent improvisés, émergent de constructions ordonnées qui suggèrent des limites ou des cadres.

Par son travail, Marielle propose une expérience sensible ancrée dans la matérialité et le savoir-faire, invitant la personne spectatrice à éveiller sa curiosité, à interroger sa perception du temps et de sa valeur, et la manière dont elle-même négocie l’équilibre entre contrôle et lâcher-prise.

Anne Bolduc

Après avoir vécu aux quatre coins du Québec (Canada), c’est à Sherbrooke qu’Anne Bolduc a choisi de s’installer et de se consacrer à la création artistique. À peine diplômée en arts visuels à l’Université de Sherbrooke, elle reçoit plusieurs invitations à exposer en solo et en duo dans différents lieux de diffusion de l’Estrie. Son amour pour la nature et le vivant est au centre de sa pratique artistique qui englobe les couleurs végétales, les fibres, les sculptures et les installations sculpturales. Son installation « Le juste milieu », présentée lors de l’exposition collective « La trame de l’invisible » à la Galerie d’art Antoine-Sirois au printemps 2025, a été sélectionnée par la Maison des arts et de la culture de Brompton. Elle s’est également vue décerner le prix « Coup de cœur » de la doyenne de la Faculté des lettres et des sciences humaines.

Claude Sauvageau

Après des études supérieures dans les domaines de l’éducation et des arts, Claude Sauvageau a travaillé pendant de nombreuses années en tant que professionnelle pour diverses institutions culturelles québécoises. Les rencontres avec différents acteurs de ce milieu lui ont permis d’approfondir ses réflexions sur sa propre pratique. À la suite d’une exposition collective au centre d’art Arts Sutton, elle a remporté le prix du jury de l’Expo-concours 2022, lui permettant d’exposer en solo à l’Espace Claire-Léger en 2023. Sa démarche découle de l’exploration de plusieurs disciplines artistiques, notamment la reliure d’art, la sculpture, la gravure et la tapisserie.

Récits entrelacés propose la rencontre de deux démarches artistiques distinctes, qui, bien que singulières dans leurs formes et techniques, se rejoignent autour de préoccupations communes: la mémoire, le geste, la transmission et la matérialité du fil comme vecteur de récit.

À travers des œuvres réalisées par tissage, broderie ou assemblage, les artistes convoquent un langage textile où les fibres deviennent matière narrative. Les textiles racinaires d’Anne Bolduc, dont l’intervention humaine limitée permet la croissance imprévisible des racines, rencontrent les œuvres en métal récupéré de Claude Sauvageau, à la croisée entre broderie, reliure et l’artefact. Ces œuvres sont autant de fragments d’identités et de vestiges, réunis dans un dialogue silencieux entre le fil et la forme.

Chaque pièce accorde une place essentielle à la lumière qui ne se contente pas d’éclairer les pièces, mais en révèle la portée poétique, souligne les détails, prolonge les gestes et guide le regard du visiteur vers des strates de sens parfois invisibles au premier abord. La lumière devient alors un outil de lecture et de contemplation, faisant émerger une multitude de trames en perpétuelle réinvention.

Ce projet souhaite ainsi proposer une expérience immersive et méditative, où l’art textile devient un langage à part entière — porteur d’émotion, de mémoire et de renouvellement.

Originaire de Maniwaki et établie au Centre-du-Québec, Marie-Aube Laniel développe une pratique artistique ancrée dans le territoire, attentive aux cycles du vivant et aux dimensions historiques, sociales et écologiques des matériaux qu’elle mobilise. 

Formée d’abord en joaillerie, puis au deuxième cycle en histoire à l’Université du Québec à Montréal et en développement culturel à l’Université Laval, Marie-Aube Laniel a également complété de nombreux perfectionnements en land art, en vannerie et en pratiques sculpturales liées aux fibres végétales. Cette formation hybride nourrit une démarche à la croisée de la recherche, de la création et de la transmission. 

Son travail a fait l’objet de plusieurs expositions solos et collectives diffusées à travers le Québec, notamment au sein de musées, de centres d’art et de lieux de diffusion professionnelle reconnus. Elle a présenté ses projets dans des contextes institutionnels et spécialisés en art actuel et en art nature, en plus de participer à des résidences d’artistes et à des événements de création devant public. Une importante part de sa pratique est également consacrée à la médiation culturelle, qu’elle conçoit comme un espace de partage des savoirs et de réflexion collective.

En 2024, elle reçoit le prix Début de carrière professionnelle du Conseil de la culture du Centre-du-Québec. En 2025, elle obtient une bourse du Conseil des arts et des lettres du Québec pour le projet Rhétorique capillaire, ainsi qu’un appui de la Fondation ForCGal pour l’œuvre Le Monarque. Parallèlement à sa pratique, elle s’implique activement dans le milieu culturel et professionnel des arts visuels.

Le travail de Marie-Aube Laniel se veut une célébration du temps et de la profondeur, dans un monde où la modernité impose une vitesse de vie délétère. Elle conteste la superficialité moderne et l’hypertrophie du consumérisme, qui, depuis la révolution industrielle, ont engendré une aliénation des individus par rapport aux ressources naturelles et induisent une pression de performance constante. Archiviste du temps qui passe, elle ancre ses œuvres dans un contexte historique; elle tente de tisser le passé pour éclairer l’avenir, de sculpter l’invisible afin d’ouvrir des espaces de dialogue, de mémoire.

Sa pratique s’articule autour d’une exploration minutieuse de l’utilisation de divers végétaux indigènes renouvelables et récoltés de façon éthique, ce qui nécessite une compréhension intime des cycles de renouvellement naturels. Son travail comprend une importante dimension de recherches botaniques pour la découverte de nouvelles fibres sculpturales et de nouveaux supports biodégradables. Elle y intègre 24 variétés de saule provenant de la culture de son oseraie, choisies avec soin pour leurs propriétés distinctives. En recourant uniquement à des matériaux biodégradables, elle invite à une reconsidération des rapports que nous entretenons à la matière et aux traces que nous laisserons derrière nous. En assemblant les matériaux naturels par le geste humain, elle rend visible l’interdépendance constitutive du vivant et la trame relationnelle dont nous faisons partie.

Son travail vise à valoriser les savoirs traditionnellement féminins (cueillette, vannerie, broderie, tissage) à travers une réinterprétation contemporaine, afin de redonner voix à celles qui, par leur ingéniosité et leur dévouement, ont soutenu les conditions de vie de leurs familles à travers les âges.

S’inspirant des réflexions d’Arthur Lochman sur « l’éthique du faire », sa pratique met en exergue la solidité des métiers artisanaux en tant que réponse à l’instabilité contemporaine. En favorisant une reconnexion entre l’humain et l’acte de création, elle soutient l’idée que s’identifier à ce que l’on crée, plutôt qu’à ce que l’on consomme, est non seulement un acte d’affirmation personnelle, mais également un acte de résistance. En encourageant le ralentissement et la réflexion, son travail vise à établir un lien entre ces compétences ancestrales et les enjeux contemporains, démontrant que les savoirs traditionnels peuvent offrir des solutions aux défis écologiques modernes.

Brigitte Baillargeon est une artiste visuelle multidisciplinaire établie à Sherbrooke et diplômée en arts visuels de l’Université Bishop. Sa pratique, guidée par l’intuition et l’expérimentation, explore le dessin, la peinture, le collage, la broderie et les techniques mixtes. Elle privilégie la matérialité du papier, l’accident et le geste, intégrant souvent le fil ou la broderie pour instaurer un dialogue entre l’aléatoire et le déterminé, le fluide et le concret. Sa démarche s’inspire d’une filiation féminine, héritée des travaux d’aiguille transmis de génération en génération, et s’inscrit dans une réflexion sur la mémoire, l’intime et la poésie du quotidien.

Depuis plus de vingt ans, Brigitte Baillargeon a présenté son travail lors de nombreuses expositions au Québec, au Canada et aux États-Unis, notamment au Centre communautaire et culturel François-Dunn à Sherbrooke, à L’Artothèque de Montréal, au Washington Street Art Center (Dakota du Sud) et dans le cadre de la résidence « Luminous Bodies » à Toronto. Ses œuvres font partie de collections privées au Québec et en France. Membre active du RAAV, du Conseil de la culture de l’Estrie et de la Maison des arts et de la culture de Brompton, elle poursuit une démarche où la lenteur du geste, la superposition et l’hybridation des matériaux deviennent autant de façons de questionner l’héritage, la transmission et la présence du féminin dans l’art actuel.

Bachelière en beaux-arts de l’université Bishop, la pratique artistique de Brigitte Baillargeon s’inscrit dans une réflexion sur la consommation, la récupération et le respect du vivant. Elle explore la lenteur comme une forme de résistance à l’accélération du quotidien, en privilégiant des gestes patients, méditatifs et attentifs à la transformation de la matière. Fabriquer ses propres encres à partir de plantes récoltées localement et de résidus végétaux issus de la préparation des repas est devenu pour elle un geste fondamental, qui relie son processus créatif au cycle du vivant et à la richesse discrète du quotidien. Ce choix de matériaux issus de la vie de tous les jours crée un pont entre l’intime et l’universel, invitant à reconsidérer la valeur de ce qui est souvent perçu comme ordinaire ou éphémère. 

L’artiste intègre également à ses œuvres des fleurs séchées, de la cire d’abeille, du crayon, du papier calque, ainsi que du fil et de la broderie. Ces derniers, héritages transmis par les femmes de sa famille, incarnent la patience, la résilience et la filiation. Le fil, en traversant la surface du papier, devient trace, mémoire et geste de réparation. Il tisse des liens entre générations, entre passé et présent, et apporte une structure délicate à l’ensemble de ses compositions. 

Par la superposition des matières, la transparence et la délicatesse des interventions, ses œuvres invitent le regard à ralentir, à contempler et à s’ouvrir à une expérience sensorielle et poétique. Son intention est de proposer des espaces de transformation, où l’accident et la maîtrise coexistent, et où chaque œuvre devient une invitation à la résonance émotionnelle. Elle souhaite ainsi offrir au public un lieu de rencontre avec l’essentiel, où l’art agit comme un miroir du vivant et de la mémoire, tout en ouvrant un dialogue entre la nature, le geste et le temps.

Sa pratique explore la mémoire du corps, ses transformations et ses traces. Il interroge les tensions entre présence et absence, soin et poison, beauté et abjection, en mettant en lumière la fragilité de l’existence et les marques qu’elle laisse derrière elle. La métaphore occupe une place importante dans son travail, particulièrement à travers ses objets transformés, qui deviennent des images poétiques et symboliques autant que des formes matérielles.

Par des formes organiques, des textures virulentes et des teintes acidulées, il évoque un univers en mutation où la vitalité côtoie la dégradation. Ses œuvres empruntent à la biologie, au minéral et au cellulaire, tissant des analogies entre microcosme et cosmos, corps et paysage, entre ce qui grandit et ce qui s’efface. Les couleurs radioactives, les structures flottantes et les éléments hybrides matérialisent la progression insidieuse de la maladie, de l’altération et du passage du temps.

L’archive occupe une place essentielle dans son travail : qu’elle soit médicale, intime ou sensorielle, elle devient un vestige du corps, une tentative de saisir l’inexorable. Il s’attarde sur les cicatrices visibles et invisibles, les traces laissées par l’érosion du temps, les empreintes d’une disparition en cours.

À travers l’accumulation, la superposition et l’effritement, il cherche à matérialiser ce qui échappe, à révéler ce qui persiste malgré l’absence. Son travail oscille entre l’intime et l’archivistique, la chair et la trace, le biologique et l’abstrait. Il constitue une cartographie du passage, un dialogue entre la transformation et l’oubli où chaque élément devient un témoin de ce qui fut, de ce qui lutte pour rester.